Cinéma

Alice Cooper et le cinéma

Ecrit par Loïc Blavier

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En tant que média culturel, le cinéma a toujours permis à des personnalités issues de milieux artistiques divers de s’exprimer. Certaines fois, les musiciens, chanteurs, auteurs, y viennent simplement pour une apparition ponctuelle, sans aucune implication d’ordre artistique autre que celle de leur propre origine. D’autres fois, et ce sont les cas les plus intéressants, ils en profitent pour apporter leur talent créatif aux films et aux réalisateurs qu’ils servent. Dans ces cas-là, il y a généralement osmose entre les deux supports culturels. Citons par exemple Bob Dylan apportant son talent de musicien folk/country pour renforcer le climat et le discours du Pat Garrett et Billy The Kid de Sam Peckinpah (1973), à travers la chanson Knockin’ on Heaven’s Door, passée à la postérité avec le film qu’elle accompagne. Ou citons également la vague de films rock’n’roll des années 50, 60 et au-delà, chère au cinéma d’exploitation, et qui transposa à l’écran l’état d’esprit rebelle de la jeunesse d’alors (chez Corman par exemple, qui en 1957 réalisa Rock All Night et qui plus de 20 ans plus tard, en 1979 produira le Rock’n’Roll High School de Joe Dante et Allan Arkush). Sans compter les films disco du type Saturday Night Fever (John Badham, 1977), révélateurs d’une mode et de préoccupations tout aussi adolescentes… Des tentatives certes souvent commerciales mais ne pouvant pas non plus être considérées d’emblée avec mépris.

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Parmi ces collaborations régulières entre la musique et le cinéma, il est un exemple ayant traversé les décennies avec succès. Un exemple qui non seulement a participé plusieurs fois à des films, en tant qu’acteur ou compositeur, mais qui s’est aussi de nombreuses fois approprié certains aspects du cinéma pour les réutiliser dans ses propres albums, et même dans ses propres concerts. Il s’agit d’Alice Cooper. Un des grands anciens du hard rock, dont la carrière démarrée à la fin des années 60 s’est très vite muée en un patchwork entre musique et cinéma. Il n’est pas ici question de discuter la qualité de la musique d’Alice Cooper, mais bien de faire ressortir les nombreuses interactions entre son œuvre et le cinéma, principalement le cinéma horrifique dont l’influence a donné tout son style au personnage créé et entretenu par Vincent Furnier depuis maintenant bientôt 40 ans.

Le personnage Alice Cooper

« Je parle toujours d’Alice à la troisième personne. Je considère Alice de la même façon que je considère Hannibal Lecter, Zorro ou d’autres personnages littéraires… Alice est un peu de Macbeth, un peu de Bela Lugosi… Il est tous ces personnages englobés en un seul. (…) Je joue ce personnage qui est arrogant, sadique et amusant. La seule chose qu’Alice et moi avons en commun est notre sens de l’humour. »

Interview du site The Celebrity Cafe

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Ainsi, Alice Cooper (nom désignant dans un premier temps l’ensemble d’un groupe, avant que le leader ne garde le nom pour lui-même) est avant tout un personnage incarné par Vincent Furnier. Malgré que ce dernier ait définitivement adopté le nom d’Alice Cooper aux yeux de la loi, il fait clairement la distinction entre lui et le rôle qu’il joue, sur scène ou dans ses albums. Cette volonté de séparer son art de sa vie privée (pour le coup fort différente, puisqu’il est républicain, chrétien et que son hobby favori est le golf) n’est pas sans se distinguer de la plupart des musiciens, se démarquant rarement de leur œuvre, qu’ils interprètent au premier degré, sans insérer aucune distance entre leur personnalité artistique et leur propre personne. Chose compréhensible, finalement, puisque la musique tend à se rapprocher tantôt du journalisme, tantôt de la littérature, voire parfois de la philosophie (y compris de bazar), et donc elle véhicule le courant de pensée des interprètes et auteurs, qui deviennent indissociables de leurs textes. Ce qui produit également des effets de mode chez un public tendant à assimiler le style de leur artiste favori pour mieux s’en faire le représentant en société, et surtout pour se forger une image semblable (phénomène particulièrement développé chez les adolescents). Ainsi, après des premières années ambiguës, Alice a opté pour une voie différente, rompant aussi avec tous les exemples cités plus haut, ceux des films rock’n’roll ou disco, où le cinéma ne servait qu’à exploiter un filon musical et un courant de pensée en vogue. Il choisit une voie plus comique, celle du spectacle pur, éminemment cinématographique, où la musique et le cinéma se nourrirait l’un l’autre. L’auteur littéraire cède la place à l’acteur, le musicien cesse d’utiliser l’écran uniquement comme un reflet de sa propre personnalité et de sa propre époque, et par conséquent, « toute ressemblance avec un personnage existant ou ayant existé ne serait que pure coïncidence». Alice apparaît davantage comme un personnage de cinéma, une entité récurrente pouvant être assimilée aux personnages de films horrifiques. La distance entre l’homme et le personnage est la même que celle prise par un acteur vis à vis de son rôle fétiche, citons par exemple Robert Englund et Freddy Krueger. Bien sûr, la célébrité et l’habitude aidant, se produit une assimilation aux yeux du public. Mais cette assimilation n’est pourtant pas partagée par l’interprète, même si l’on peut trouver des cas contraires chez les acteurs (le cas extrême de Bela Lugosi et de Dracula). En résulte une certaine humilité, qui se transforme rapidement en second degré dans le cas d’Alice, puisque le personnage, volontairement outrancier, fait figure, au même titre que le cinéma gore, de rejeton du théâtre grand-guignol. C’est ainsi que le maquillage apparaît (un maquillage repris en comics et au cinéma par le personnage de The Crow), et que l’on retrouve un Alice, qui, au fil de ses albums et de ses concerts, se plonge dans de véritables histoires et se livre à de véritables shows (nous y reviendrons). Cette conception du personnage, née en 1970, en plus d’être totalement nouvelle dans le monde de la musique (Cooper est considéré comme un des pères fondateurs du « shock rock » et ne tardera pas à faire des rejetons, de Kiss à Marilyn Manson via David Bowie), se rattache totalement au monde du cinéma horrifique, où des acteurs incarnent le même personnage, ou le même type de personnage, jusqu’à ce que l’acteur soit confondu avec son rôle. Nous avons vu que c’était le cas pour Robert Englund et Freddy, pour Bela Lugosi et Dracula, mais ça a également été le cas à toutes les époques : Boris Karloff / Frankenstein, Christopher Lee / Dracula, Vincent Price / l’aristocrate gothique… Bref ce que Vincent Furnier a fait n’est rien d’autre que reprendre la tradition du cinéma pour l’employer en musique. A l’époque, il rompt aussi avec la tradition hippie des artistes engagés tant personnellement que musicalement, jusqu’au point de faire de l’activisme politique (à ce sujet, Alice, ou plus exactement son interprète, déclare que le rock ne devrait jamais se mêler de politique). Du reste, pour être objectif et sans pour autant les condamner, tous ces artistes finiront par se lasser et se tourneront vers des chemins divers (vie de famille pour John Lennon, sans compter ceux qui ne se tourneront vers rien du tout, comme Hendrix, victimes des illusions de son époque). Le mélange cinéma et musique est l’originale option choisie par Vincent / Alice, il est vrai aidé en cela par la piste tracée préalablement par feu Frank Zappa, grand fan de science-fiction et l’un des premiers utilisateurs de la dérision musicale, voulant même au départ transformer le groupe en groupe comique nommé Alice Cookies. De plus, la musique hard rock étant ce qu’elle est, elle allait logiquement permettre à Alice d’utiliser sa violence pour aboutir à des excès en tous genres, tant musicaux que scéniques. Se rapprochant du même coup du cinéma d’horreur, grand réservoir de violence et de théâtralité (surtout au sortir des 60s placées sous l’égide des films de Corman et de ceux de la Hammer). A partir de là, cette nouvelle orientation allait logiquement conduire Alice Cooper à fréquenter assidûment le petit monde de l’horreur.

Alice Cooper vers le cinéma

C’est bien entendu la relation la plus évidente qu’un musicien puisse entretenir avec le cinéma. Il s’agit des caméos, des participations aux bandes originales… La première apparition d’Alice Cooper au cinéma remonte à 1978, avec un Sextette signée Ken Hughes (co-réalisateur entre autres du faux James Bond, Casino Royale, en 1967). Une comédie musicale lui offrant un petit rôle. Il faut donc relativiser cette participation, surtout qu’elle s’accompagne de la présence d’autres artistes comme le Beatle Ringo Starr et du Who Keith Moon. Même chose pour le Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de Michael Schultz, qui pour le coup porte carrément à l’écran l’album des Beatles du même nom, et pour le Roadie, de Alan Rudolph (1980), au titre explicite. Par contre, la première vraie participation d’Alice au cinéma est l’obscur film d’horreur espagnol Monster Dog, signé du bisseux italien Claudio Fragasso en 1984. Tête d’affiche, Alice y interprète quelques chansons reflétant son rôle de chanteur venant faire un clip dans une villa où plusieurs corps mutilés ont été retrouvés… Pas un grand film, mais tout de même, cela fait plaisir de voir Alice -alors au nadir de sa carrière- dans du bis italien, fut-il le plus médiocre, histoire de prouver que son attirance pour le genre ne se limite pas aux grands noms du passé commercialement viables. Une petite série B lui convient aussi.

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En revanche, le Prince des Ténèbres de John Carpenter (1987) est un grand film, affranchi de toute promotion musicale outrancière, et Alice s’y illustre par le rôle du clochard satanique en chef. Un personnage inquiétant et un rôle muet, pour un film qui montre que Alice peut aussi s’adonner à l’horreur avec sérieux. Ce qui ne l’empêche pourtant pas de composer la chanson Prince Of Darkness, entendue dans le film lorsque le premier technicien se fait attraper par les démoniaques vagabonds aux abords de l’église. Ce rôle est sans aucun doute le plus prestigieux de la carrière d’Alice, qui quatre ans plus tard, en 1991, s’illustrera de nouveau dans un autre film remarqué : La Fin de Freddy, l’Ultime Cauchemar, où il interprète rien moins que le père adoptif du jeune Freddy Krueger. Un rôle honorifique, permettant à Alice de payer son tribut à un personnage qui comme nous l’avons vu plus haut lui ressemble, finalement : sadique et à l’humour noir. Il était donc logique de l’y retrouver.
Suite à ce Freddy, Alice apparaîtra en 1992 dans le Wayne’s World de Penelope Spheeris, où il jouera son propre rôle. Dieu vivant pour les deux protagonistes principaux du film, il joue avec humour sur l’adoration des fans…Il y laisse aussi une chanson, Feed My Frankenstein, ce qui est tout naturel pour un film traitant en grande partie du monde de la musique.
Suivront le court métrage de Marcus Wagner, Freakshow, en 1999 et le thriller horrifique de Jeremy Kasten, The Attic Expedition, en 2001, où Alice donnera la réplique à Jeffrey Combs et Ted Raimi. Plus récemment, il intègre l’univers outrancier de Tim Burton lors de Dark Shadows (2012).

Bref pas beaucoup de films, finalement. Mais tout de même, un Carpenter, un Freddy, et surtout des rôles dans lesquels il se glisse comme dans un gant, usant de son image de débauché voire l’utilisant dans son propre rôle… Les réalisateurs n’ont aucun mal à intégrer celui qui s’est entièrement pensé comme un personnage, preuve de la justesse de sa vision du mariage entre le cinéma et la musique. En revanche, l’utilisation de ses chansons dans les bandes originales se montre en général moins inspirée, laissant de côté le second degré et le cinéma pour n’exploiter que les filons de la rébellion adolescente. A commencer par School’s Out, un hymne étudiant repris dans des films plus ou moins glorieux comme le déjà mentionné Rock’n’Roll High School (Joe Dante et Allan Arkush, 1978), Reality Bites (Ben Stiller, 1994), Scream (Wes Craven, 1997), The Faculty (Robert Rodriguez, 1998) et The Filth and the Fury (film à propos des Sex Pistols, Julien Temple, 2000). Ces deux derniers films reprennent aussi le titre I’m Eighteen. Shocker (Wes Craven, 1989) reprend quant à lui No More Mr. Nice Guy. Class 1984 (Mark Lester, 1982) opte pour I am the future. La liste serait longue. Quelques exceptions sont à signaler, mais sous la forme de chansons de commande. Le plus notable cas étant Vendredi 13 chapitre 6, de Tom McLoughlin, en 1986. Ce sixième opus des aventures de Jason Voorhees se permet le luxe d’avoir trois chansons rock chantées par Alice exclusivement pour le film : He’s Back (The Man Behind The Mask), Teenage Frankenstein, Hard Rock Summer…

Pourtant, bon nombre des autres chansons enregistrées par Alice tout au long de sa carrière contiennent une certaine atmosphère horrifique qui aurait pu facilement être exploitée par les réalisateurs. Cela n’a pas été le cas. Ce n’est pourtant pas une raison pour ne pas évoquer cet autre aspect des relations entre Alice Cooper et le cinéma, très certainement le plus important :

Le cinéma vers Alice Cooper

Il s’agit de l’autre versant au chapitre précédent. Si Alice Cooper a pas mal donné de sa présence et de ses chansons au cinéma, ce dernier n’a pas été en reste, et son influence a été indéniablement adoptée par Alice pour créer non seulement son personnage, comme nous l’avons vu plus haut, mais aussi sa propre musique.

Les albums-concepts

Pour être clair, ce sont des albums qui présentent une certaine homogénéité dans la forme mais aussi dans les textes, ceux-ci étant censés tourner autour du même thème, voire former une histoire complète. Ce qui bien sûr se rapproche de beaucoup à une narration cinématographique, les chansons étant autant de scènes possibles. Alice a souvent utilisé ce procédé, et la plupart du temps en s’y donnant un rôle propre.

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1975 marque l’étape la plus importante dans les relations entre Alice Cooper et le cinéma. L’album Welcome to my Nightmare est en effet non seulement son premier album solo, mais aussi son premier disque se rapprochant d’un album-concept. Un disque accompagné d’un spectacle télévisé puis d’un concert devenu célèbre. Alice, dans la première chanson aussi bien que dans la pochette de l’album, nous invite dans son cauchemar. Ce qui donne lieu à divers récits horrifiques, extrêmement théâtraux, qui pourraient aussi bien être transposés au cinéma dans un style proche de celui de l’horreur des années 60. Car si les textes sont horrifiques, les chansons sont aussi pleines d’humour, sonnant énormément comme des comédies du macabre. Et c’est là qu’intervient Vincent Price. Cooper ayant totalement assumé le ton de son album, il a pris en effet la décision d’y inviter Price, une gloire du cinéma horrifique dont la renommée est en grande partie due aux films gothiques de Corman dans les années 60. Avec son timbre de voix si particulier, macabre et drôle en même temps, quel acteur aurait pu mieux figurer dans cet album ? Il y raconte avec délectation (mais sans chanter) son amour pour la veuve noire, une araignée particulièrement venimeuse, aux effets ravageurs sur l’homme (qu’il mentionne avec un sadisme tout théâtral), et son but de supplanter l’humanité par ladite araignée… Du Vincent Price typique.
Mentionnons aussi le tryptique atmosphérique Years Ago / Steven / The Awakening, trois histoires aux textes davantage déclamés que chantés, racontant l’histoire sinistre d’un garçon névrosé, solitaire et tourmenté. Price enregistra une autre tirade, pour The Awakening, mais qui ne fut finalement pas inclue dans l’album…
Welcome to my Nightmare marque donc un pas décisif dans l’approche cinématographique qu’Alice consacrera à sa musique. Il lui donnera une séquelle en 2011, Welcome 2 my Nightmare sonnant un peu moins comme le versant musical du cinéma de Vincent Price mais qui recèle quelques pépites audacieuses (dont un morceau de cabaret et un « Disco Bloodbath Boogie Fever », racontant un carnage sanguinaire perpétré dans un enfer disco).
Par la suite, de nombreux autres albums-concepts verront le jour, à commencer par Alice Cooper Goes To Hell dès 1976, un prolongement du thème de Faust, puisqu’il présente un Alice descendu en enfer (l’enfer de la disco, déjà !) et cherchant à en réchapper. Humour (à noter un très amusant dialogue où Alice tente de négocier sa libération avec le diable), exagération, autoparodie, nombreux sont les éléments que l’on pourrait retrouver dans un film. Tellement, en réalité, que tant de fantaisie désarçonna pas mal de fans et que la réputation musicale de Alice commença à se détériorer. Nous ne sommes plus trop dans le hard rock pêchu des débuts, mais bien dans un spectacle vivant faisant de la musique le prolongement du sens de l’humour de l’auteur.

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Décidément très prolifique, cette deuxième moitié des années 70 se poursuivit par un autre album, qui sans être véritablement concept fut en tout cas vendu comme un tout se référant encore une fois au cinéma, mais cette fois à quelque chose de différent. Avec Lace & Whiskey, Alice se penche en effet sur le film noir, avec pour conséquence de donner à l’ensemble musical un ton volontairement rétro accompagné de textes évoquant quelques passages obligés dans l’image du détective privé. Le chanteur prit en effet le rôle de l’inspecteur Maurice Escargot, personnage central de l’album. Référence est également faite directement au cinéma et à la télévision en général, dans la chanson King of the Silver Screen, où le chanteur, en plus de se voir volontiers en Fred Astaire, Errol Flynn ou autres Greta Garbo, déclare avec son humour habituel et sur fond de Glory Glory Hallelujah : « I’m going to Hollywood, to be a starlet! ».
Tant de dérision avait pourtant également pour origine l’alcoolisme d’Alice, qui dut donc se contraindre à une cure de désintoxication. Loin de l’assécher niveau idées (pas plus que niveau alcool, d’ailleurs), cette période lui permit de ressortir un autre album, From the Inside en 1978, tournant autour de la fameuse cure, sur laquelle Alice s’appuya pour raconter une autre histoire tournant autour d’un hôpital très étrange, au personnel tout droit issu du cinéma d’horreur. Un comic sera d’ailleurs adapté de l’album, prouvant ainsi le côté très visuel de la musique d’Alice Cooper.
Il fallut ensuite attendre 1994 et l’album The Last Temptation pour voir un Alice revenir à quelque chose d’un peu plus « lié ». Un album-concept reprenant le personnage de Steven, celui de Welcome to My Nightmare, qui illustre les peurs de ce personnage à travers un show de l’horreur symbolisant également la perte de l’innocence. L’album sera du reste tellement homogène dans ces textes que lui aussi aura droit à une adaptation en comic. Trois bande-dessinées qui se paient le luxe d’être scénarisées par Neil Gaiman, réputé pour son roman graphique Sandman ainsi que pour quelques romans, dont Neverwhere. Une nouvelle fois, le côté spectaculaire de Alice Cooper est exploité, et une nouvelle fois, l’artiste prouve sa capacité à créer des univers fantastiques, extrêmement esthétiques, riches en thématiques et délaissant cette fois l’humour grand-guignol au profit d’une autre forme d’humour, nettement plus subtile (voire tout simplement inexistante).

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D’humour, il n’en est en tout cas plus du tout question dans les années 2000, avec les albums Brutal Planet et sa suite plus ou moins officielle, Dragontown. Deux albums très noirs, au son industriel, se référant à la science-fiction du type Philip K. Dick. Très agressifs, les textes nous présentent des mondes corrompus jusqu’à l’extrême. Des histoires de destruction, de haine. Alice devient cette fois-ci un personnage très pessimiste, violent, en complète rupture d’avec ce qu’il était dans les années 70. Dragontown s’agrémente en outre d’une « séquelle » à la chanson Nurse Rozetta de l’album From the Inside, intitulée Sister Sara. Une des autres chansons, Can’t Sleep, Clowns Will Eat Me (un bonus), est directement tirée d’une citation d’un épisode des Simpsons (la série de Matt Groening qui a d’ailleurs depuis rendu la politesse à Cooper en l’intégrant avec d’autres rockers à un comic dérivé de la série). En 2008, avec la sortie de Along came a Spider, Alice revint à une musique moins « sérieuse » avec cet album narrant les aventures d’un assassin nommé Spider, arrachant les jambes de ses victimes pour former une araignée-frankenstein.

Le cinéma en chanson

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La première référence ouverte faite par Alice au cinéma se trouve dans l’album Love it to Death (1971). La chanson Ballad Of Dwight Frye est en effet un hommage revendiqué à l’acteur qu’était Dwight Frye, un second couteau important dans le monde de la Universal des années 30. Il interpréta ainsi entre autres Renfield dans le Dracula de Tod Browning en 1931, et le rôle de l’assistant dans le Frankenstein de James Whale en 1931 et dans la Fiancée de Frankenstein du même James Whale en 1935. Une référence pointue et pas uniquement en forme de clin d’œil, puisque dans cette chanson, Alice interprète directement Dwight Frye, racontant sa perception du monde de là où il se trouve : un asile, très certainement celui où git Renfield dans Dracula. Un bel hommage imprégné dans les sonorités d’une chanson qui pourrait trouver sa place dans une éventuelle fiction à propos de Dwight Frye…
Même album, autre chanson : Black Juju, qui cette fois créé une atmosphère mystérieuse et inquiétante fortement cinématographique (à son écoute nous sommes plongés dans un monde de magie noire et de sorcellerie) tant encore une fois à travers les instruments qu’à travers le chant. Bref, encore une chanson qui pourrait faire partie d’une comédie musicale horrifique. Comme pour bon nombre de chansons composées par Alice, jusqu’à aujourd’hui.
En 1972, même lorsqu’il verse dans la nostalgie de ses années d’écolier dans l’album School’s Out, Alice ne peut s’empêcher de fantasmer ses souvenirs lors d’un morceau, Gutter Cat Vs. the Jets, tout droit repris à Leonard Bernstein et à West Side Story, qu’il revisite à sa sauce.
En 1973, Alice en est à son huitième album, le dernier avec son groupe, et sa renommée est déjà faite. Ainsi, les responsables de James Bond lui confient le soin de faire la chanson titre du nouveau film de leur franchise : L’Homme au pistolet d’or (réalisé par Guy Hamilton). Cependant, l’image d’Alice, jugée trop incompatible avec celle de la franchise 007, les conduira à décommander le rocker et à aller voir ailleurs. Pourtant, Alice composa quand même la chanson consacrée à James Bond. Du même titre que le film, elle utilise bien entendu les sonorités chères à la série, notamment le fameux thème de John Barry, qu’elle retranscrit en version rock. Au final, la chanson est franchement particulière, et on ne sait jamais, si un jour l’agent 007 se plonge dans l’alcool et la décadence il pourrait très bien ressortir ce morceau des cartons.

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Au sortir des albums concepts de Welcome to my Nightmare à From the Inside, les disques s’enchaînèrent dans les années 80, avec des chansons toujours très cinématographiques soit dans leurs thèmes (Clones, en 1980 et son ambiance très SF de série Z, ou encore Tag you’re it, un slasher mis en musique, sans oublier You’re a movie où Alice se prend pour un conquérant militaire et se fait rabrouer par ses choristes) et/ou dans leur atmosphère musicale (Skeletons In My Closet en 1981, au titre explicite, DaDa en 1983 qui renoue avec Black Juju, Former Lee Warmer en 83 également, qui est plus ou moins -lui aussi- une suite au Steven de Welcome to My Nightmare…). Puis à la fin des années 80, Alice sortit de cette vague un peu punk / new wave tout entière dévolue à l’humour pour redorer un peu son blason musical. Il changea de style et se consacra principalement à ses apparitions cinéma, pour Prince des Ténèbres (album Raise Your Fist and Yell, 1987, sur lequel Robert Englund vient juger Alice dans la chanson Lock Me Up) et pour la bande originale de Vendredi 13 chapitre 6 (album Constrictor, 1986). Mais le succès n’était plus au rendez-vous, et Alice dut alors retravailler sa musique, délaissée par le public. Les albums suivants, Trash et Hey Stoopid, furent dirigés sinon produits par Desmond Child, producteur qui s’évertua (et qui réussit) à renvoyer Alice en tête des charts. Ce fut une période de relatif désintérêt du cinéma dans les textes et les sonorités du chanteur. Citons juste la chanson Feed My Frankenstein, à laquelle contribua la speakerine de l’horreur Elvira en y récitant une ligne.
Passons désormais au nouveau siècle, avec deux albums : The Eyes of Alice Cooper (2003) et Dirty Diamonds (2005). Là aussi, peu de références au cinéma, mais quelques-unes tout de même : This House Is Haunted et ses sonorités évoquant comme on le devine les films de maisons hantées, avec un monologue d’ Alice s’adressant à un fantôme (avec humour). Et puis The Saga Of Jesse Jane, chanson western, genre auquel Alice ne nous avait pas habitué jusque là (si ce n’est quelques fois au début de sa carrière). Là encore, il s’agit des principales chansons en rapport avec le cinéma, mais le chanteur ayant l’habitude de tirer ses paroles de différents films plus ou moins obscurs, il serait difficile de se montrer exhaustif. Cela pourrait faire l’objet d’une seconde partie à ce dossier, de même que les clips eux aussi forcément orientés, et qui nous amène tout droit à la façon dont Alice Cooper se produit en public.

Shows publics

Bien entendu, comme tout musicien, Alice se produit en concert. La nature même de la scène associée au personnage d’Alice ne pouvait qu’aboutir à de véritables shows illustrant les penchants cinéphiliques du chanteur. Révélé à Frank Zappa par ses performances lives (la légende veut que Zappa ait remarqué Alice car celui-ci était le seul groupe à pouvoir vider une salle en moins d’un quart d’heure), Cooper, en bon acteur, a toujours placé la scène au centre de ses préoccupations. Excellent support pour faire déborder des atmosphères musicales, les concerts utilisent les albums qui leurs servent de base pour devenir de véritables prestations théâtrales matinées bien entendu de références filmiques évidentes.

Ainsi, des titres vus précédemment comme Ballad Of Dwight Frye peuvent se targuer d’être véritablement adaptés sur scènes, comme ils auraient pu l’être à l’écran. Chaises électriques, guillotines (pour l’exécution d’Alice), camisoles de force, serpents, maquillage, infirmières sadiques et autres personnages fantastiques, tout se met déjà en place au début des années 70. Très animés, les concerts iront de plus en plus loin dans les délires horrifiques à la narration parfois en continue, tels que lors des exécutions du chanteur et ses résurrections façon Frankenstein. A partir de la fuite des autres membres du groupe (effrayés par tant de « gadgets »), le chanteur eut une totale carte blanche pour ses spectacles, ce qui nous amène donc à la tournée accompagnant l’album et le show télévisé Welcome to my Nightmare. Évidemment, il s’agit là de la référence en termes de théâtralité. Tous les éléments des concerts précédents sont repris et accentués. Vincent Price, déjà présent sur l’album, accompagne le chanteur dans ses spectacles, leur donnant une touche plus cormanienne que jamais.

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Suite à cela, les concerts pouvaient difficilement verser dans la surenchère. De nouveaux éléments furent parfois intégrés en fonction des différents thèmes des albums ou des chansons : la tournée accompagnant Lace & Whiskey et sa scène conçue comme un immense écran télévisé, le décor très sombre et violent de Brutal Planet… Sans oublier la tournée de Dragontown, avec des concerts s’ouvrant sur le thème musicale de Godzilla Vs. Mothra et un Alice à l’apparence asiatique (sabre inclus). Sans compter également quelques clins d’œil, tel une tournée nommée Nightmare On Your Street… Véritables comédies musicales horrifiques, ses concerts sont en quelque sorte des émanations de Broadway. A noter quelques accidents, avec les accessoires ou les serpents : étranglement, blessure en « jouant » avec une épée, ou bien au milieu des effets pyrotechniques… Au fil des ans, quelques modifications eurent lieu, les acteurs changèrent ainsi que les musiciens, tenant eux aussi des rôles, en plus des figurants… Car c’est bien une véritable troupe qui accompagne Alice Cooper sur scène (y compris pendant un temps Calico Cooper, la fille du chanteur qui s’illustre dans des rôles d’infirmières ou bien dans des interprétations d’autres personnalités féminines, tournées en dérision par Alice. Rôles qui lui permettent d’ailleurs actuellement de s’immiscer de plus en plus dans le milieu du cinéma et de la série B horrifique, bien évidemment). Et une troupe d’Alice Cooper qui s’étend jusqu’aux marionnettes horrifiques, parfois utilisées en dehors, comme lors de l’apparition d’Alice au Muppets Show…

En presque quarante ans de carrière, Alice Cooper s’est donc imposé comme l’un des pionniers des rockers cinéphiles. Parfois à côté de la plaque musicalement, il n’a en tout cas jamais renié ses intérêts pour un cinéma d’où il a souvent puisé une bonne partie de son imagination, et duquel le cinéma s’est lui-même inspiré. Capable des pires excès dans le sanguinolent comme dans la comédie, parfois brillant et parfois proche du ridicule, le personnage Alice Cooper a sans aucun doute contribué à forger les liens existants entre (hard) rock et cinéma d’horreur, parfaitement représentés à l’heure actuelle par un Rob Zombie qui doit également beaucoup à Alice (et avec qui il a chanté à plusieurs reprises). « Un parolier sous-estimé », comme le dit justement Bob Dylan, mais aussi un très intelligent « showman ». La synthèse musicale de tous les plus grands personnages du monde de l’horreur et tant pis si les métalleux purs et durs rejettent sa dérision comme ce fut le cas fut un temps.

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